A lo largo de mi experiencia como performer, pero también como profe, he observado y vivenciado cuán importante es para todos los que trabajamos en las artes escénicas hacer un buen trabajo de “acopio”. En este post me referiré al acopio en relación con el canto, pero creo que muchas de las ideas son trasladables a la actuación, a la danza u otros quehaceres escénicos. Ahora bien, Acopio: la RAE lo define algo así como “Juntar, reunir en cantidad algo(…)”. Tomando un poco esta idea yo traslado este concepto a nuestro campo y elijo llamar así a una práctica que tiene que ver con reunir o sumar aquellos “elementos” que me permitan espesurar o ensanchar el meaning (contenido) de lo que quiera cantar.
Pienso que aquí hay un trabajo muy artesanal por hacer, y como tal, no existe UNA forma de llevarlo a cabo. No obstante, sí podríamos puntuar un par de ítems que quizá ayudan:
Comprender el storytelling
...tratar de comprender de qué va la canción. Muchas veces es muy claro, pero otras, el texto es bastante encriptado y metafórico y unx puede solo inferir algunas direcciones… En este sentido, yo creo que lo más importante sería -y aún cuando la anécdota sea la más obvia del mundo- tratar de “no cerrar”. Es decir, intentar que las ideas no cierren luego de cada frase, sino más bien que las frases devengan, siendo causa-y-consecuencia, consecuencia-y-causa la una de la otra. (*)Cuando arriba digo “comprender” me refiero a comprender como acto de multiplicidad y provocación, más que como acto de ordenamiento y nomenclaturación.
Imágenes
creo que es importante tomar el texto de la canción y trabajarlo sin melodía. Es decir, una instancia donde unx se sienta, con el texto y lo lee, como poema, como literatura; y trabajandolo – quizá estrofa por estrofa – apuntar todo tipo de asociaciones. Me gusta pensarlo siempre como un aluvión, es decir, cualquier tipo de imagen, vivencia, película, texto, escena que se viene a la cabeza es válido. Simplemente anotar y no juzgar. Una vez que ese trabajo está hecho en toda la canción, revisar todas esas referencias, pero no tanto para “extraerles algo útil”, sino más bien para que toda esa información quede cargada en la “memoria RAM” de nuestro ser-performer.
Si sentís que algo de lo que hablo en estos dos primeros puntos te está pasando, mirate este videito que preparé con a lot of loveeee 😉
Tener siempre un top 3 de referencias
siempre tener en el oído al menos 3 buenas versiones de lo que queremos cantar. En verdad, escuchar -en principio- tantas versiones como sean posibles… y después quedarnos con la que más se parecen a nuestra hipótesis de la canción.
En el caso de la música popular, si la canción que quisieras cantar es cantada originalmente por alguien de un género opuesto al de tu voz, trata de buscar un cover cantado por alguien de tu mismo género, esto te ayudará por ejemplo, a cotejar cuestiones de tonalidades.
Transmutar el crítico
lo que llamamos “crítico” es ese alter-ego que todos tenemos dentro que nos evalúa y critica mientras estamos cantando (o haciendo cualquier cosa). Muchas veces eso es algo que nos bloquea, o bien que nos hace padecer el hecho de cantar… Es importante que lejos de negarlo, lo registremos, lo abracemos, lo aceptemos y -con ayuda de un profe- lo pongamos a trabajar, porque el punto es que el crítico no desaparece, sino que solo pierde fuerza, o transmuta. En ese sentido, es fundamental que usemos toda esa energía a nuestro favor. Por ejemplo: si mi crítico me esta diciendo “no sé para qué lo intentas, vas a fallar” y mi canción es una canción que trata de alguien que siente miedo, pues lo único que tendrías que hacer es inhalar profundo y cantar con eso… es decir, “la situación dramática” que tienes que interpretar, es desde ya, la situación real que estas atravesando. O si por el contrario, la canción que tienes que cantar te necesita con “los tacones de punta”, pues entonces deberías usar toda la ira o frustración que te produce ese crítico, para posicionarte y “cantar en su contra”. Yo sé que suena un poco fantástico, pero si es cierto que como cantantes tenemos que lidiar con muchos aspectos de nuestra personalidad y nuestra psiquis a la hora de cantar. Todo eso está ahí y se mueve cuando cantamos. De hecho no es casual que en los programas de muchas carreras de canto, existan materias que tengan que ver con mind-set y “preparación mental”.
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Por supuesto que todo esto es para que funcione como Background. Después a esto se le suman un montón de otros aspectos como aprender la melodía, trabajar la pronunciación (si es que la canción fuera en otro idioma), trabajar las complejidades más “técnicas” que aparezcan en determinados fragmentos.
Lo que es seguro, es que al final, todo funciona junto y se hace una suerte de “pastiche” entre todos los pequeños y grandes trabajos artesanales que le hicimos a nuestra canción. Quiero decir con esto, que al final, uno se para, respira profundo “y canta”.
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para terminar...
Un aspecto que me parece importante destacar (tanto para el canto popular como para la lírica) es que muchas veces este acopio, nos “resuelve” muchas complejidades técnicas (y visceversa). Por ejemplo: que en determinada parte de la partitura diga “piano” no significa solamente que debo regular mi emisión para producir un sonido que reúna las características de ese tipo de dinámica, sino que (¡y sobretodo!) significa que ahí “algo está pasando”. Es decir, por alguna razón en ese momento “hay” que cantar más suave… los compositores (cuando trabajamos con partituras) nos dejan siempre señales o huellas. Será nuestra misión tratar de descifrarlas y traducirlas de manera honesta en nuestro instrumento. Con la música popular es lo mismo, la diferencia es que el espectro es mucho más flexible y uno puede realmente variar en cuando y cómo uno quiere enfatizar algo. Pero el caso es el mismo: si quiero hacer un “piano” quizá lo puedo hacer “mâs tecnicamente”, articulandolo desde mi columna de aire, o bien, podría apoyarme en el texto y que el texto me haga hacer esa frase “más suave”. A su vez, una misma canción puede ser abordada de una u otra forma en diferentes performances… lo importante es contar con todo este respaldo que hará que unx en la canción pueda viajar (y por ende hacer viajar). Curiosamente, esta forma de acopio nos resguarda y protege ante “la vil situación de exposición”: ya no se trata de mi crítico, ni de mis miedos, ni de mi voz, se trata de esta historia que tengo para contar. Algo de eso, ha de ser cantar 😊
Buen finde!
Dani
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